Respete la cola por favor

Bogotá 2009

“Si Andy Warhol viviera…” con esta frase seguro comienzan muchas reseñas o artículos. Pero de seguro que Warhol jamás imaginó que su obra pudiera tener la acogida popular que tiene en una de las ciudades de uno de los países de Suramérica: Colombia.

Entre el afán de un viaje sin plan, las miles de cosas que una, viniendo desde la Calicomania puede querer hacer en la ciudad más cultural del país, me lancé a la carrera de ver al Señor América y me encontré con una gran sorpresa que no fue ninguna de sus pinturas o sus serigrafías o sus fotografías o incluso sus películas lentas y repetitivas. Me encontré con una gran cola de personas de todo tipo, clase social, edad, preferencias sexuales que esperaban ansiosos por ver de cerca la obra de un artista norteamericano que se hizo famoso cual estrella de cine entre los 60’s y 80’s. Sorpresa para mí, claro, pues venía a la ciudad capital desde una ciudad donde la cultura significa rumba y no arte, música, teatro o lectura. De una ciudad que ha ido perdiendo su cara cívica dándole paso a la estridencia de la narcoestética y la opulencia descarada. Una como caleña se pregunta ¿Por qué este tipo de eventos no llegan a Cali? Sencillo, por la simple razón de que a la gente no le gusta ir al museo. Por que de seguro se llenaría la sala de exposiciones en su día inaugural  de los mismos títeres que manejan la cultura de la ciudad y alguno que otro colegio llevaría sus estudiantes a una visita corta y guiada, con el afán de “darle a los jóvenes un poco de cultura”. Y es paradójico que siendo Cali, hoy en el curso del 2009, una ciudad manchada por problemáticas sociales, pero ante todo por el rastro del flagelo del narcotráfico, la exposición de Warhol no encontrara aquí un hogar más digno  siendo nuestra ciudad un ejemplo del exceso y del exotismo, de la cultura popular, de los ricos emergentes, de la vida fácil, variopinta y descomplicada y una de las ciudades, por cierto, más costosas de Colombia.

Warhol

Haciendo un ejercicio de imaginación pienso a Warhol paseándose por las calles de Cali y observando los cuerpos de las mujeres que escultores plásticos, aquellos cirujanos un tanto carniceros, un tanto artistas, han remasterizado recreando al perfecto canon exuberante, curvo y voluptuoso. Ni que decir de los templos casi baños que se erigen con ímpetu en ciertos barrios de la ciudad. Entonces Warhol pintaría un cuadro con lingotes de oro para hacerle un homenaje a Chupeta uno de los hombres más buscados; o haría una serigrafía de la toma al palacio de justicia, o retrataría la imagen de Gloria Valencia de Castaño cuando era joven y bella.

Cuerpo de silicona

Lingotes de oro

The most wanted men por Andy Warhol

Alias Chupeta

Gloria Valencia de Castaño, joven

Esto es lo que me ha llevado a pensar el haber estado parada afuera respetando la cola de entrada y ansiosa por ver aquellas obras que de otra forma solo conocería a través de los libros.

Pienso a Warhol.

Una  y otra, la siguiente, una más, todas parecen iguales, pero no lo son, pues la repetición en serie dista de ser lo mismo. Pareciera que la mímesis ha llegado a su punto culminante: la reproducción técnica; sin embargo cada objeto compone un único indivisible, una marca registrada en palabras de Warhol.

Marilyn Monroe

Como artista fue uno de los hombre más importantes en la escena del arte newyorkino. Nació en Forest City, Pensilvania, luego se mudó a Pittsburg y más adelante a NY. Proveniente de una familia inmigrante checoslovaca, se operó la nariz, se cambió el apellido, se puso peluca, se maquilló, se creó a si mismo imagen de lo que quería ser. Se hizo artista luego de trabajar en supermercados en donde es posible que se haya inspirado para hacer sus serigrafías de sopas. Estudió dibujo publicitario y era poseedor de una gran sensibilidad en cuanto a la técnica del dibujo se refiere. Pero antes que nada era un hombre perspicaz que sabía muy bien qué era aquello que todos querían: ser populares como una estrella del rock and roll o como una estrella de cine. Por eso mismo él se instauró cual estrella creando a su alrededor una bruma de misterio, de expectativa, un aura del artista inalcanzable.

Andy Warhol

Personalmente me sorprendió encontrar en sus trabajos una impresionante calidad técnica, bordes perfectos o imperfectos según la intención del artista y un espectro impresionante que salía de sus obras, un no se qué sobrecogedor, de sensación y fuerza.

Mao por Andy Warhol

El día en que fui a Mr América era el día de la marcha del orgullo gay. Abiertamente homosexual, Warhol se retrató infinidad de veces como una drag queen, rompiendo con ello los esquemas de la sexualidad establecidos tal como lo hubiera hecho años atrás Marcel Duchamp con su retrato como Rose Sélavy.

Andy como una Dragg

Rose Sélavy por Marcel Duchamp

Marcha del orgullo gay, bogotá 2009

Así parecía que todo era perfecto aquel día, todo bajo una mágica disposición astral concordaba perfectamente después de veinte años de su muerte. La razón, para mí, es que Warhol durante toda su vida identificó perfectamente el espíritu de la vida posmoderna. Los quince minutos de fama que hoy todos tenemos gracias al Internet; aquella posibilidad que tenemos de ser músicos o actores o cantantes y subir un video a youtube; el horror eterno de los delincuentes cada vez más desinhibidos de maldad; la muerte de las estrellas como Michael Jackson, nuestra sociedad mojigata, el imperio del dinero plástico, el derrumbamiento del Wall Street y todo esto en una escala global.

Entonces sí “Si Andy Warhol viviera” seguiría siendo un artista inigualable, usaría photoshop, tendría su propio canal de tv y quien sabe que más cosas se le ocurriría al genio… Pero sin duda me encantaría invitarlo a dar un paseo por Cali que de seguro le inspiraría cualquier cantidad de emociones y sería próspero en materia de arte, pese a que los habitantes de esta comarca ni se dieran por enterados de que él estuviera caminando por sus calles.

TOKIO-GA (WIM WENDERS)

Win Wenders ha viajado a Tokio y ha observado a través del recorrido las transformaciones de la vida buscando reconocerse y aprender  sobre sí mismo en las imágenes que Otro, Ozu, ha cargado de un sentido universal.

Pero ¿Cómo traduce las imágenes de Ozu?

Wenders a través de su ojo, Wenders cíclope, vuelve a recorrer los caminos transitados;  habla desde su cotidiano enunciando y describiendo sucesos que parecieran simples, pero que guardan tras de sí un compendio de significaciones. Construye realidad al igual que Ozu con su característica real de la realidad: ha diseñado una gran apariencia.

 

En el proceso de traducción siempre se nos escapa el nivel del gesto; las líneas inferiores de la pantalla no capturan todo el volumen. Los signos lingüísticos no alcanzan a contener las palabras dichas.

Algo ha quedado (para la memoria) en el olvido.

 

Sin embargo Wenders se piensa a un ser que ha muerto; la muerte desde la vida, los instantes que se desvanecen en el tiempo. Piensa en imágenes la muerte de Ozu habiendo registrado algo más que ha muerto desde el instante mismo, pero que se identifica con la idea de “hombre” desde una japoneidad capturada con un lente de 50mm y casi a ras del suelo.

El ojo de Wenders, su cámara, suspende a quien suspende el tiempo, guardando para sí una parte del proceso, de aquel inacabado. Las fotografías y las películas:  -se acumulan en lo vivido como si fueran citas extraídas del tiempo, de la “realidad”, de aquello tan supremamente incontenible que por instantes se hace susceptible de ser fragmentado, arrancado, desgarrado- las coordenadas únicas e irremplazables.

 

Japón por su parte se ha apropiado de las imágenes, ha traducido. Una mimesis. Una transformación. Un juego más de apariencias que aunque registradas se escapan de la mirada, se desbordan de la cámara (el llanero solitario traducido al japonés) y sin embargo lo reconocemos.

Llegará nuevamente la muerte como le fue llegada a Ozu, a lo que hay de Ozu dentro de Wenders o en aquella palabra incontenible y contenida: Mu, el vacío, la nada.

Wenders ha inventado un Ozu y es aquí donde la muerte se nombra nuevamente. Wenders ha hablado a través de Otro y por Sí mismo: una doble muerte para Ozu y para Wenders o quizá dos existencias de las cuales no se diferencian suficientemente los límites para establecer cuándo termina Uno y cuándo empieza el Otro.

Cuándo muere Uno, cuándo nace el Otro, cuándo Uno muere con la muerte del Otro…..

 

Y sin embargo es bajo el nombre que algo seguimos reconociendo.

 Lo que vemos: la superficie de aquello que se oculta.

 Lo que nos engaña: lo que reconocemos.

 

APUNTES SOBRE EL ACTO DE DIBUJAR

(Escritos y dibujos 2004-2008)

He sido una apasionada del dibujo, de las líneas, de las rutas, las formas, las figuras. He dibujado por años. He escrito una historia con cada dibujo. Pero tambien he escrito sobre ese acto tan importante para mí. Muchos de estos escritos los hice pensando en 2 libros que han marcado mi pensamiento: “La cámara lúcida: Notas sobre la fotografía” de Roland Barthes y “Las muertes de Roland Barthes” de Jaques Derridá, a ellos ofrezco mis disculpas por mi acto atrevido, pero debo a ellos las gracias por que me han hecho pensar en lo que hago, cómo lo hago, y qué hay en ello que yo desconozco…

A continuación publico aquellas anotaciones y apuntes que me han robado el pensamiento y me han devuelto a mis dibujos, a aquellos que mientras los estoy dibujando no los veo, pues ciega en el gesto y la expresión solo registro lo que no veo, lo ha que dejado de existir.

Dibujo que se apodera de la escritura,  escritura que se apodera del dibujo. Se interrogan, se anticipan el uno al otro, se confrontan. Cada uno un mar de apuntes, de fragmentos; cada uno un yo distante que transforma al otro y a sì mismo. Dos puntos de partida, dos miradas que me miran mientras yo les observo.

Escribir en el dibujo o dibujar en la escritura, componiendo para sí un diario íntimo, susceptible de ser develado, expuesto al aire como el vientre de un cadáver; diseccionado por mí, diseccionado luego por la mirada del otro. Un trabajo sobre la escritura y el dibujo –en últimas el trazo, el registro- que contendrá a la vez una reflexión sobre la desaparición (lo que ha dejado de ser perceptible).

Lo que se oculta tras la grafía es la desaparición. Un registro pasado. Un autorretrato desaparecido en la desaparición de un retrato. El otro en mí y yo en el otro. La esencia del dibujo es mi obstinación por estar allí, de haber estado allí: la firma del instante, la apropiación de los sujetos.

Dibujo de espectros.

Es en la semejanza que se marca la diferencia, es en el otro y desde el otro como me delimito. Es en donde me pierdo o me encuentro con el otro.

Es en la semejanza del dibujo donde se vacía al retrato de su referente, de la misma manera como se vacía la descripción  en la escritura, en donde el gesto, el vocablo, la palabra y la línea hablan de algo que no representan, hablan del vacío que los circunda. Hablan sobre lo que se ha quedado sin decir y muestran aquello que se ha quedado invisible. No es ni la persona dibujada, ni mi gesto al dibujarla,  pero es a través de ellos que se produce el mensaje.

El dibujo sería en este caso una imagen sobrecargada de sentido.

 

Ese algo terrible que hay en todo dibujo: la ausencia de la imagen por la presencia de un lenguaje. El dibujo tiene relación directa con la escritura. Dibujo que se realiza con plena consciencia del referente pues es el sujeto que mira en el dibujo a todo aquel que le mire. La mirada dibujada, abstraída,  pues en realidad soy yo quien se ha apropiado de los ojos para observar también desde el dibujo.

La transformación que hace el dibujo de la pose de un cuerpo es activa como la transformación que hace la fotografía,  crea el cuerpo modificándolo según mi capricho.

12-04-05 lo que me parece más importante de las información colectada y de las reflexiones que surgen a partir de dicha información, es la visibilidad y la invisibilidad; el vacío que representa la imagen cuando esta completa. Lleno y vacío. Más que el dibujo en sí. La construcción de lenguajes en aras de la desaparición. Siempre hay algo que se registra.

La espectralidad de las imágenes.

 

El yo del sujeto no coincidirá jamás con su propia imagen pues no es la imagen que busca ser aceptada por su referente,  no es la imagen de él para él mismo, es la imagen que él produce en mí y la que produzco yo misma sobre su imagen.

Una microexperiencia de la ausencia, es mi mirada la que le ausenta y le convierte en objeto, es espectro. Sin embargo no temo a pensar que la imagen sea la muerte, pues ya me he convertido en su productora.

No se trata aquí de arrebatarle la vida al instante (el instante ya esta muriendo) sino por el contrario de evidenciar de una manera bastante subjetiva aquello que Edmond Jabés ha escrito “la vida es la muerte vibrante”. La apropiación mediante el dibujo del instante de la muerte. 

 

Es bajo mi desición y por supuesto arbitraria que convierto al sujeto en Todo-imagen; ya he dictaminado, ya he predeterminado su muerte convirtiéndole en objeto y de esta manera a mi disposición. La actividad del dibujo se convierte en una compulsión clasificatoria. El sujeto como objeto.

Una imagen, la evidencia de la muerte y de la desaparición, atrae, anima morbosamente a contemplarla. Ya es desde la vida que nos pensamos la inexistencia.

 

Los dibujos se posan sobre el papel (o sobre cualquier superficie) bajo la consciencia del sujeto retratado –conciencia de su pose y de la representación subjetiva que se realiza de él- sabe que está siendo dibujado. Sabe que se repara sobre cada aspecto de su apariencia.

 

Hay algo que ha de ser develado: la mirada del otro.

Citas sacadas del tiempo, de la realidad, de aquello tan supremamente incontenible que por un instante puede ser capturado en fragmentos: las coordenadas únicas e irremplazables.

 

El dibujo, aquel registro subjetivado y condicionado por unas manos en particular, firma sobre la superficie: la conciencia sobre el otro, ese otro (uno mismo)

 

Lo que nos muestra el objeto tras de lo que se oculta.

Lo que nos engaña: lo que reconocemos

Aquello otro que se encuentra velado genera escozor: la muerte.

 

Aparición de la desaparición.

 

Es eso una muerte: agonizar y morir ante mí. No habrá un lenguaje que retorne, tan solo rondara en mí (para sí mismo)-

 

 

Mariángela Aponte Núñez

TACTOSCOPIO

Tactoscopio es un proyecto que busca generar alternativas al proceso creativo de las artes visuales insertándose en espacios inclusivos no solo a los aspectos visuales, sino por el contrario ampliando el aspecto perceptual del que dispone nuestro cuerpo hacia los eventos artísticos y sensibles.

Tactoscopio nace de una investigación con personas con limitaciones visuales, sin embargo no es un proyecto para la discapacidad, sino que se nutre de diferentes formas de vida y de adaptación de los seres humanos para así crear nuevas maneras de percibir el arte y apreciar la vida en toda su amplitud.

Este proyecto propone hacer visible lo invisible, escuchar el silencio y comunicar en todas las formas posibles que el ser humano posee pero que por la velocidad de la vida contemporánea no se permite explorar.

Tactoscopio actúa como un agente mediador y gestor en el que actividades estéticas, artísticas y pedagógicas encuentran un espacio de desarrollo atendiendo a las necesidades de participación de diversos públicos y teniendo en cuenta el contexto social y económico en el que es posible fomentar el arte y su prestación de servicios. Mediante alternativas pedagógicas que hacen uso de medios táctiles, sonoros, olfativos y visuales, desarrolla una reflexión y una propuesta de diferentes maneras de apreciar al arte, al entorno, a nosotros mismos y al “otro”. Los métodos no son exclusivamente visuales, sino sensoriales y corporales posibilitando la participación desde cualquier condición; de esta manera el arte y la experiencia estética no se limita a un plano de contemplación visual sino que se establece como una experiencia de vida.

Montaje de Exposición A.M. / P.M.

A.M. / P.M concibe el espacio expositivo como un espacio de hábitat y de transformación en el cual se producen diferentes sensaciones que apoyan la experiencia estética de cada individuo, exige de los visitantes que tenga una participación alta pues el recorrido del espacio es de vital importancia.

El montaje de exposición compone una muestra interactiva de estímulo constante en la que el espacio se convierte en un gimnasio para los sentidos. Quien habite el espacio podrá explorar libremente las posibilidades infinitas que su cuerpo le brinde; aprehender del entorno formas cambiantes y flujos constantes. Cada persona caracteriza el espacio permitiendo ser guiado luego de vendarse los ojos aquellos que tienen el sentido de la visión, o caminando a ciegas, con lo que se interna al mundo del no vidente y se experimenta una recopilación de sonidos cotidianos que representan el ciclo de un día.

Para aquellos que carecen del sentido de la vista el recorrido del espacio les permite apreciar propuestas formales que parten del tacto y la háptica. En A.M. / P.M. se oculta y arrebata de la vista del espectador lo que hay para ver escondiéndole y dejando pistas, restos de lo escondido.

Los recorridos se efectúan en compañía de un guía. La fusión de las experiencias de las personas en condiciones distintas mediante la diferente estimulación de sus sentidos y la integración de estas dos partes es la esencia de la instalación.

Esta exposición es un proyecto artístico y social inspirado en los no videntes y en quienes sufren algún tipo de discapacidad sensorial o física. El objetivo no solo es crear una serie rica en texturas, sonidos y olores, sino sensibilizar a la comunidad sobre otros sectores que también son parte de la sociedad y sobre todas las posibilidades que el cuerpo alberga.

El montaje comprende la adecuación de diferentes ambientes sensibles, jugando con los niveles de claridad y oscuridad, de lleno y de vacío, frío o cálido, etc. La propuesta de este espacio es un lugar que muta, que transmuta, por lo que no se convierte en una exposición estática y con una sola forma pues por medio de las visitas y las actividades, durante el día o la noche y durante el tiempo de duración de la exposición, este hábitat habrá adquirido su propio movimiento de existencia. Las condiciones de luz propias de cada día harán igualmente que los objetos presentes sean más o menos visibles, incluso los recorridos de los asistentes se producirán de maneras distintas, dificultándose o facilitándose.

Es cuando lo aparente desaparece que nuestra imaginación recrea el vacío de las imágenes visuales caminando a tientas en un camino conocido y ahora invisible.

A través del montaje, Tactoscopio acerca al público a un conjunto de obras y procesos que hablan de lo que visualmente desaparece en la condición de ceguera o baja visión; ilustra, aclara y permite el acceso a la expresión artística mediante la presencia activa del público participante, siendo el montaje de exposición un espacio compuesto de ambientes creativos y flexibles que posibilitan la autonomía de desplazamiento e intervención de los asistentes. El montaje de exposición incluye obras y objetos, visitas guiadas, charlas y conferencias.

Artistas Participantes

Frente a la distancia que presenta la contemplación Tactoscopio se opone mediante el tacto activo, para el cual es necesario el desplazamiento y el acercamiento; de lo contrario el objeto, dibujo, imagen o cuerpo no será conocido.

En la apreciación de las obras y los objetos, el ojo se frustra: la mirada se inquieta, y en el espectador se produce un profundo efecto de ceguera, de no saber a ciencia cierta qué está viendo, o más bien, qué no está viendo; de no saber a ciencia cierta lo que allí se muestra, o más bien, lo que no se muestra.

Artistas del Valle y del Cauca participan con obras que por sus cualidades permitan al público hacer uso de su cuerpo y sus sentidos para establecer una ruta.

Todo cuanto se posa en el espacio ha de ser tocado, todo cuanto exista allí debe ser activado por la presencia de los asistentes. Las obras nos hablarán de las imposibilidades que generan nuevas alternativas y posibilidades, de lo que desaparece ante los ojos, de los sonidos cotidianos que usualmente no escuchamos, de los olores propios de nuestra región.

De igual manera, es necesario que a través de Tactoscopio haya un acople con los artistas y creadores de cada contexto permitiendo que el proyecto mismo se vaya modificando y enriqueciendo y que los espacios visitados se nutran a través de esta dinámica.

“PROYECCION” (de la serie ilimitantes)

Rened Darío Varona.

(Popayán, Cauca).

Video-instalación. Dimensiones variables

En ésta video-instalación en la que el espacio está dispuesto a manera de féretro, la imagen viaja cuadro a cuadro. Una silla de ruedas en quietud recoge el movimiento de piernas que caminan, niños que gatean, ruedas que giran.

La imposibilidad de caminar que ha inspirado a este artista payanés, le permite viajar mediante la imagen en movimiento. El video se convierte en la posibilidad de desplazamiento, de movilidad; ese espacio recorrido se recoge en la experiencia de quien le observa, es un viaje interno a aquello que nos limita y a aquello que no permitimos que nos limite.

“LA CAJA TRANSLÚCIDA”

Margarita María Ángel.

(Cali, Valle)

Resina de poliéster, vidrio y hierro

Dimensiones variables

Margarita Ángel parte de la experiencia como un conjunto de fragmentos y piezas que se ensamblan una a una y que constituyen la vida misma. En palabras de la artista: “Fragmentos, piezas, partes, residuos, encuentros… Nuestras vidas son una serie de acontecimientos, grandes o pequeños. Recuerdos. Compuestos, de-compuestos-re-compuestos.., pensamientos… Cada quien construye su propia historia.”

Esta obra de manera lúdica nos pone en contacto pieza a pieza en un proceso de conciencia y conocimiento. La torre ha de ser construida por cada asistente y depende de su propia construcción la resistencia, el tamaño y la forma. Aun sin verla o viéndola establece un retro para quien decida tomar las fichas y ensamblarlas.

“SONDEANDO EL ESPACIO”

Dionaea Muscipula.

(Cali, Valle)

Instalación sonora.

Dimensiones variable

En la ausencia de luz el espacio se hace laberíntico, el sonido de unos pasos se magnifica cuando alguien se acerca.

Esta instalación sonora con micrófonos, amplificadores, sintetizadores de sonido y demás elementos sondea el espacio con los sonidos propios del espacio.
Los asistentes se acercan escuchando voces distorsionadas, golpes, campanas, y todos esos pequeños ruidos que escapan a nuestra percepción. El espacio de exposición adquiere nuevas dimensiones en presencia de los eventos sonoros.

Sondear el espacio requiere redimensionarlo, dar cuenta de lo vasto o ínfimo, de lo vacío o lo lleno, de lo disperso o lo hacinado. La instalación es el vehículo para que cada asistente se convierta en una sonda del espacio que recorre.

“LUGARES COMUNES – NO LUGARES”

Gustavo Vidal.

(Yumbo, Valle)

Instalación sonora.

Dimensiones variables.

Un sonido aparece de un objeto que no está presente. De pequeñas cabinas brota el sonido de aquello que oímos pero que es intangible. El espacio de repente se convierte en un lugar común, el baño, la cocina o la calle y sin embargo no es ese el lugar.
Gustavo Vidal interviene el espacio con creaciones sonoras que nos remite a esos espacios de hábitat que frecuentamos diariamente. Descontextualizados y vacíos, ahora se han convertido en un referente, en una imagen que nos viene a la mente. Nuestra memoria no solo recoge una serie de acontecimientos que podemos remitir a una imagen visual, sino también a una imagen sonora o táctil.

“COCUYOS”

Producto Hechizo

(Cali, Valle)

Instalación.

Luces, imágenes proyectadas.

Dimensiones variables.

Si aparece la luz, desaparecen las imágenes y aparecen las sombras. Una sinfonía de luces en la oscuridad, como los cocuyos en una noche oscura, se enciende y se apaga, aparece y desaparece. Así mismo las imágenes que recogen nuestra memoria aparecen y desaparecen, nos vienen y se escapan súbitamente.

En una cueva de sombras Platón representa el mito de la caverna “¿crees que los que están allí han visto otra cosa de sí mismos o de sus compañeros sino las sombras proyectadas por el fuego sobre la parte de la caverna que está frente a ellos?”.

Cocuyos nos recuerda este mito y nos habla de la experiencia como un instante lejano del que solo retenemos una porción. Lo visible es apenas una impresión de nuestra retina alejada de objeto en sí.

“CAJAS DE LUZ”

Tactoscopio.

(Cali, Valle)

Madera, luces, vidrio, acetato, café y sal.

2 cajas de 1,50 mts. x 1,80 mts

Viendo o sin ver miles de granos de café o sal forman líneas o manchas de luz. Se prepara la superficie, se traza una línea y un dibujo se hace una y mil veces.

Estas dos cajas de luz de gran formato proponen un espacio de libre expresión para los participantes. Hechas con materiales muy propios de nuestra región, representan el olor condicionando el espacio, de igual manera proporcionan la textura y los niveles de luminosidad.

“DIBUJOS TÁCTILES”

Grupo Puntos de Encuentro.

(Fundación Carvajal, Cali, Valle.)

200 dibujos de 29cmts x 28 cmts.

Papel Braillón y hojas translúcidas.

Sin ver tocar un rostro representado en imagen. Con los dedos también vemos formas que guarda nuestra memoria y la representación táctil requiere un sentido del tacto altamente especializado.

Un papel especial, como lo es el papel braillón o las hojas translúcidas, permite registrar en relieve líneas y puntos que dan forma a imágenes mentales creadas a partir de la percepción táctil. Recorrer una imagen supone un mapa de representación que se devela bajo la yema de los dedos. Una línea que no se toca, es una línea que no aparece. Los detalles se hacen más difíciles de percibir y el volumen adquiere importancia.

¿Qué ves en tu mente mientras tocas un dibujo?